GANADORES MAUD 2020
ÍCONO: SWING ORIGINAL MONKS
AUTOR: GINGER ORDOÑEZ
Inspirado en la “Fiesta popular” de Swing Original Monks como uno de lo temas que los lanzo a su gran reconocimiento nace este mural donde en el centro se representa al Diablo Huma como un fuerte representante de las fiestas populares en el Ecuador apareciendo como un ente que danza entre el gentío para disfrutar en este caso junto a nuestros dos vocalistas de la banda que reflejan con fondo y línea los colores de nuestro país con una pequeña inscripción que dice “Una vez al año no hace daño” conocido refrán usado para el deleite y tomado de la letra del mencionado tema.
ÍCONO: JUAN CASTRO
AUTOR: EMILIA SIGCHO
Juan Castro es un soñador y amante de la música, lo que manifiesta en la interpretación del piano.
La inspiración para realizar este diseño se basa en su apasionada vocación en conjunto con su destacada pieza "Isabella", cuyo video musical se encuentra en una época del año muy característica: el florecimiento de los guayacanes, donde los colores predominantes son el blanco y amarillo. Esto me inspiró a usarlos como una representación de la naturalidad y belleza de la pieza.
En el diseño, el piano poco a poco se va deformando para que emerjan flores de estos árboles a raíz de las teclas. Además de la transformación del piano clásico a un elemento que vaya acorde con la fluidez de su talento, este representa el crecimiento y éxito de su carrera.
ÍCONO: GONZALO ENDARA CROW
AUTOR: JUAN VALENCIA
En la obra se usan algunos de los elementos más reconocibles del gran artista ecuatoriano Gonzalo Endara: el tren volador, el caballo como símbolo de sí mismo, el color azul como representación de la liberación, y la campana de oro, que simboliza el pasado y "todo lo que ha sucedido hasta entonces", oprimiendo al caballo. Además, el realismo mágico, género de las obras del maestro Endara, es evidente en esta narrativa especial.
Estos elementos giran alrededor del color azul, que es el color principal del mural. En esta narrativa, el caballo, símbolo del artista, se ha librado del pasado y se une en el vuelo al tren volador. Según la hija del maestro Endara, el tren carga también el peso de las almas de todos los trabajadores que murieron durante la construcción del ferrocarril.
El pasado, representado por la campana, también sufre una transformación reminiscente al maíz del maestro Endara, pues la cultura ecuatoriana ha sido para siempre marcada por la magia del maestro.
Por lo tanto, la narrativa se lee de la siguiente manera: el maestro, al ya haber fallecido, es libre del pasado y de la cultura que él mismo ha marcado. De esta cultura salen los elementos de sus obras famosas, como los globos y el tren en el cielo, que se unen a su travesía en el cielo, o en un plano más mágico. El maestro es libre.
ÍCONO: OSWALDO VITERI
AUTOR: GIULLIANA LABORDE
Caras inversas. Pequeños objetos. Recorridos de aquellas siluetas. Este es el paso del tiempo, migraciones, estaciones.
El corto relato de la evolución de la identidad, una analogía entre el pasado y presente, donde se trasponen sus aspectos y sus trayectos, mi inspiración da fruto a través de este fragmento:
<<Azul el horizonteAzules los recuerdosY azul interminableLa gota que se riega en estas páginas.>><<No tengo más color que el de mi nombre>>(Fragmento)
No tengo más color que el de mi nombre.
-Obra mixta. Acrílico y recorte sobre papel kraft.
ÍCONO: VOROSHILOV BAZANTE
AUTOR: GIULLIANA LABORDE
Está inspirada en el trabajo y línea artística del pintor ecuatoriano Voroshilov Bazante. En esta obra se optó por trabajar bajo las temáticas de la libertad y la fantasía. Estos elementos han sido seleccionados por ser la esencia del estilo que caracteriza a Voroshilov, creando una obra con un toque figurativo con leve abstraccionismo. Específicamente, se han tomado ciertos elementos compositivos de su trabajo muralístico titulado "Amerindia, sede de la OLADE, Quito, Ecuador, 1992". De esta obra se obtuvo como referencia las figuras femeninas y su composición cromática de tonalidades frías, denotando grandeza, pureza y fantasía. Asimismo, se ha tomado como inspiración el flujo de su trazo abstracto y formas lineales que dan rienda suelta a la imaginación, creando un universo de libertad entre la realidad y la fantasía. Del mismo modo, se da importancia a la gestualidad del trazo, el valor de la línea, la mancha y la construcción de formas aleatorias, con el fin de plasmar la esencia de un vacío, un universo fantástico de libertad y belleza.
ÍCONO: PETER MUSSFLEDT
AUTOR: ASHLEY NIVELO
La obra explora la dualidad, contrastando elementos distintos que forman parte de un todo unificado en la vida de Peter Musfeldt: viajar de Alemania a Ecuador, pasar de frío a calor, realidad y abstracción, estudiante y profesor, diseñador e ilustrador.
La pluma fuente representa su faceta como diseñador, con trazos orgánicos que evocan su pasado estudiantil. El colibrí simboliza su lado artístico y libre, promoviendo la reflexión sobre el pasado. Estos contrastes se entrelazan en la obra de Peter.
Me inspiré en el colibrí y la filosofía de Peter: aprender del pasado para moldear el presente y el futuro. En el ámbito gráfico, me inspiré en su estilo precolombino y abstracto.
El colibrí, al igual que Peter como diseñador, es versátil y simbólico. Además de ser comparado con las hadas, se le considera un guardián del tiempo por su movimiento hacia adelante y atrás, subrayando la importancia de reflexionar sobre el pasado para progresar. Esta enseñanza es transmitida por Peter a sus estudiantes y reflejada en su arte abstracto y precolombino, destacando la influencia cultural en nuestra vida.
ÍCONO: MILTON ESTRELLA G.
AUTOR: JOYCE GUZMÁN
La obra fue creada con técnicas digitales inspiradas en la estética artística de Milton Estrella, conocido por sus formas voluptuosas y curvilíneas que buscamos recrear en una tridimensionalidad visual. Utilizamos colores vivos y detalles luminosos para expresar emociones y sensaciones.A través de la iconología, representamos un ciclo de vida mediante pequeñas figuras con detalles individuales que juntas transmiten mensajes visuales. En la obra, a la derecha, se observa un busto de mujer con cuernos, desfragmentado y llorando un río de lava, simbolizando el proceso creativo del artista como alguien analítico y sensible que transforma el sufrimiento en creatividad. El agua ilustrada como lágrimas conecta las figuras principales, simbolizando la fluidez de los pensamientos artísticos.El mar de magma ardiente y el corazón conformado por músculos individuales a la izquierda de la imagen representan la urgencia y la individualidad en la expresión artística, donde las ideas se detallan meticulosamente y se ramifican en un conjunto de emociones personificadas.
ÍCONO: ISABEL ULLAURI
AUTOR: MILENA GUERRERO
El concepto principal es "El reflejo de la vida es la naturaleza". Se utilizó como elemento central una escultura frecuente de la artista: un gato, reflejado en ambos módulos para destacar la dualidad de su arte, que fusiona naturaleza y vida.
En el primer módulo, el rostro de la artista se fusiona con la escultura del gato en un entorno selvático que refleja su estilo gráfico y su enfoque en la flora y fauna. En el módulo B, la silueta del gato se refleja entre mandalas que simbolizan la conexión de la naturaleza y el universo, transmitiendo el concepto de vida de Isabel. Isabel menciona en entrevistas su trabajo con elementos urbanos y naturales, representando al gato en un entorno urbano en el segundo módulo. Se usó varios estilos en los murales, adaptándose a tendencias sin un estilo definido, con una paleta de colores cálidos para armonizar con el pantone asignado. Su objetivo es armonizar espacios a través del arte, utilizando elementos compositivos que representan todas las áreas en las que trabaja.
ÍCONO: PAUL TOLEDO
AUTOR: ANDREA AVILE
Concepto: Conexión espiritual del hombre con la naturaleza.
Trata de una conexión que va más allá de los sentidos, adentrándose en el alma y uniendo dos mundos diferentes en uno. Toledo representa esta correspondencia con la Madre Naturaleza, la cual vive en su corazón y se refleja intensamente en su arte en cada trazo y pincelada. Como artista, logra expresar su amor y devoción por el medio ambiente, su flora y fauna, en cada obra. Su admiración por la naturaleza impulsa su deseo de capturar su belleza única en su propio estilo artístico.
La inspiración para la obra "Iruma", que significa "conexión" en Shuar, se basó en una investigación que reveló que la primera obra de Paúl, a sus 8 años, fue un lienzo abrazado por la imagen de una guacamaya amazónica. Esto marcó su entrada al mundo de las Bellas Artes, abriendo sus ojos a un universo lleno de color, texturas y creatividad (Bless Art). Sus obras retratan criaturas de la Amazonía y otros animales, así como personas. Aunque emplea diversos estilos, sus murales realistas detallan elementos y fragmentos con un uso experto de color, sombras, texturas y anatomía. Paúl crea obras vibrantes que a veces incluyen elementos ficticios derivados de su imaginación.
En "Iruma", Paúl establece una conexión con la guacamaya a través de trepadoras, comúnmente vistas en las selvas amazónicas, simbolizando una unión espiritual y emocional. La guacamaya con plumas hechas de hojas de árboles hace referencia a otras obras de Paúl donde la piel de un animal se funde con madera de troncos y partes de plantas.